Essere giovani, dal mio punto di vista e dalla mia esperienza, \u00e8 una condizione mentale. Mi dispiace usare un luogo comune e allo stesso tempo di tale menzione gratuita. Tuttavia, la verit\u00e0 \u00e8 che “il giovane deve essere chiunque voglia essere”, come dice il bolero. Questo ha poca influenza sull’et\u00e0 biologica, e sebbene sia un argomento che ha un sacco di tessuto da tagliare, penso che una delle premesse fondamentali per riconoscere che siamo di fronte a un giovane \u00e8 vedere il loro bisogno di imparare. La sete di conoscenza \u00e8 un sintomo di una giovinezza innegabile. Conoscere questo e l’altro, perch\u00e9 “pu\u00f2 servirmi in futuro”, d\u00e0 un’idea chiara di quanto si senta giovane una persona. Un’altra caratteristica \u00e8 la capacit\u00e0 di adattamento, cos\u00ec come la necessit\u00e0 di sperimentare cambiamenti, di rivoluzionare, di fare qualcosa di diverso, nuovo, quello che potrebbe anche essere “lasciare la zona di comfort”. Ci sono molti anziani che non vanno oltre i venticinque anni, e persone della cosiddetta “vecchiaia”, che girano per il mondo con un quaderno di progetto sotto il braccio, accusando cos\u00ec una vitalit\u00e0 adolescenziale. Visto in questo modo, l’ICAIC Young Show \u2013 che si tiene ogni anno \u2013 pu\u00f2 essere una vetrina in grado di trasparente la vera et\u00e0 artistica degli artisti che, secondo la loro carta d’identit\u00e0, hanno meno di trentacinque anni.
\nOrganizzato dalla Fondazione del Nuovo Cinema Latinoamericano e dall’Associazione Cattolica Cubana per la Comunicazione (SIGNIS Cuba), con la collaborazione dell’ICAIC Youth Show, il 1\u00b0. Aprile ha tenuto il XVI Talent Workshop for the Future. La sala di proiezione walfredo pi\u00f1era ha ospitato un gruppo di video artisti alle prime armi, che hanno condiviso esperienze con registi veterani interessati alla produzione cinematografica giovane.
\nOtto opere completate questa volta il libro paga selezionato per il workshop: cinque cortometraggi di finzione e tre documentari. Mantengo il sistema di categorie applicato nel campione ICAIC, anche se se fosse pi\u00f9 preciso, oserei dire che sono stati presentati solo due documentari, perch\u00e9 il terzo corrisponde a ci\u00f2 che \u00e8 buono tempo fa si chiama creazione video (o video arte); questo \u00e8 un tipo di opera audiovisiva che sopravvaluta l’importanza degli elementi formali, li rende importanti, in modo che l’importante sia, soprattutto, il come e non tanto cosa. Il primo background di questa pratica nello spazio internazionale potrebbe essere trovato associato all’aspetto sperimentale della produzione cinematografica degli anni ’20, cos\u00ec come al lavoro di artisti plastici. A Cuba si possono considerare pezzi come Now di Santiago Alvarez, anche precursore del cosiddetto videoclip; cos\u00ec come Coffe ar\u00e1biga, tra gli altri simili di Nicol\u00e1s Guill\u00e9n Landri\u00e1n e Cosmorama di Enrique Pineda Barnet.
\nUn po ‘ pi\u00f9 vicini nel tempo, sono riconosciuti come video arte Rinoceronti in gabbia scuri (molto alla moda) (1990), di Juan Carlos Cremata; e Love and Pain (1990), di Enrique Alvarez. Proprio dagli anni ’90 ad oggi, il numero di opere che possono essere classificate sotto questo punto si \u00e8 ampliato, senza compromettere altre classificazioni che possono essere insegnate loro. Artisti plastici come N\u00e9stor Sir\u00e9 e Juan Carlos Alom hanno presentato opere che supportano un perfetto dialogo con diverse modalit\u00e0 di produzione audiovisiva, quindi hanno trovato posto in diverse edizioni della Mostra ICAIC.
\nNel caso del Workshop, intendiamo Home (Alejandro Alonso, produzione della Scuola Internazionale di Cinema e Televisione, EICTV), con una fotografia molto contrastata e manipolata come se fosse un filmato. Dalla mia opinione di spettatore, Home esprime il collasso, la foenza, l’obsolescenza associata a un concetto di nazione; concetto che si basa su qualcosa di molto concreto come la citt\u00e0, il paese, una memoria, una mappa, coordinate o il nome “Cuba”, che, come citt\u00e0, citt\u00e0 o villaggio, esiste in almeno otto stati del Nord America. Come ogni buon video nella stessa misura in cui hermetize il suo discorso, utilizza varie risorse espressive (la colonna sonora, tra queste), per fornire il destinatario di un repertorio poetico che alimenta la sua esperienza e guida la sua interpretazione del fatto artistico.
\nPer quanto riguarda i documentari, vorrei iniziare con The Old Heralds (Luis Alejandro Yero, produzione EICTV), dove viene offerto un piccolo panorama della vita di un matrimonio non centenario composto da Tat\u00e1 ed Esperanza. Mentre il vecchio si prende cura di un forno a carbone per lunghi giorni, ed Esperanza si occupa dei lavori domestici, la televisione \u2013 l’unico oggetto sontuoso in quel bohio insensibile \u2013 trasmette il processo di assemblaggio che ha portato la presidenza al successore di Ra\u00fal Castro. La pi\u00f9 grande conquista estetica di questo corto sta nella perfetta polarit\u00e0 che raggiunge tra l’evento politico-mediatico che rappresenta un nuovo fatto storico, e la realt\u00e0 intima di due anziani immersi nella rovina materiale, in ci\u00f2 che costituisce l’inizio della fine di un ciclo di vita in coppia. Forse l’antecedente di questo video \u00e8 il documentario Verde Olivo (2017), con ottima regia, fotografia e montaggio di Celina Escher, e prodotto anche da EICTV. In questo caso, il matrimonio di lunga durata \u00e8 guidato da Teresa, un’ex combattente comunista, molto ben informata sulla realt\u00e0 nazionale attraverso i media: il quotidiano Granma, la radio e la televisione. Seguace incondizionata di Fidel e Raul, celebra la visita di Obama, un evento che segue attraverso lo schermo; correggendo il suo entusiasmo per quel momento storico, ricordando la sanguinosa discordia che ha caratterizzato le relazioni dell’America con la rivoluzione cubana. Allo stesso tempo \u2013 e in questo si stringono la mano a entrambi \u2013 le condizioni di vita di questo eterno combattente sollevano una sottile contraddizione tra l’oropel propagandistico dell’ordine pubblico, ufficiale, e la realt\u00e0 quotidiana dell’umile maggioranza.
\nPer quanto riguarda il documentario The Year That There Was No Year (Fernando Almeida, 2017, produzione indipendente), \u00e8 un esempio di ci\u00f2 che l’inventiva pi\u00f9 lozana \u00e8 in grado di creare. Senza studi accademici sul cinema, in un colpo solo di pura intuizione e reinterpretazione dell’intero acquis visivo che accompagna lo sviluppo di qualsiasi soggetto nato negli ultimi venti o venticinque anni, Almeida riesce a costruire un discorso sincero ed esteticamente lodevole, su un tema chiuso alla discussione ufficiale nel presente, ma molto dibattuto tra le persone colpite: il servizio militare , ponendo l’accento sull’offerta obbligatoria di coloro che entrano nell’universit\u00e0 e ritardano le loro aspettative di studio per un anno molto lungo. Almeida non sceglie i modi tradizionali per raccontare una storia o documentare un fatto; salta le convenzioni del genere, e inoltre non segue le regole di una presunta drammaturgia ortodossa, che viene venduta come inappellabile. Non \u00e8 che sia il pioniere di qualsiasi estetica anticipata. Gestisce semplicemente il suo strumento di riprese (il suo cellulare) con libero arbitrio, adattandosi alle circostanze del suo processo cinematografico: immediatezza, spontaneit\u00e0, sorpresa, capacit\u00e0 di discriminare i dati, gestione intelligente e poetica delle risorse espressive del linguaggio audiovisivo, etica nell’approccio dei suoi argomenti e, non da ultimo, una piattaforma concettuale, abbastanza solida da sostenere un punto di vista senza fessure o ambivalenze.
\nPer quanto riguarda i cortometraggi di finzione, forse il pi\u00f9 indeabile si trova nel titolo Alberto (Ra\u00fal Prado Rodr\u00edguez, 2018) e Generaci\u00f3n (Meilin Quiles Dura\u00f1ona, 2018, produzione FAMCA). Il primo racconta la storia di ci\u00f2 che Alberto scopre quando torn\u00f2 a Cuba dopo molti anni di assenza. Il problema \u00e8 che il conflitto \u00e8 troppo affrettato ed \u00e8 conclusivo nel primo terzo dei lavori. Tutto il resto diventa ridondanza, esponendo l’impericia in termini di regia degli attori, dialoghi e drammaturgia in senso generale. La seconda (Generazione), \u00e8 una fantasia pseudo-scientifica che potrebbe aver viaggiato meglio lungo i sentieri dell’assurdit\u00e0 e della commedia, senza avventurarsi in un dramma senza tempo per sviluppare una trama meno facile e banale. A suo favore vale la pena sottolineare la direzione dell’arte, che ha fornito un alto grado di coerenza e significato all’immagine; sforzo immeritato alla banalit\u00e0 della storia.
\nImplacabili modelli di performance infantile che ci perseguitano da tempo immemorabile – non tutto dovrebbe essere incolpato de La Colmenita – fondono i registi cubani quando introducono i bambini come protagonisti o secondari ai loro film. La cinematografia internazionale pu\u00f2 ora essere rivista per spettacoli paradigmatici per bambini: Il colore del paradiso (Majid Majidi, 1999), La ricerca (Michel Hazanavicius, 2018), Cafarnao (Nadine Labaki, 2018). Ma, come le cose stanno facendo con la recitazione infantile nel cinema di quest’isola, Bad Things non \u00e8 un cattivo esempio. \u00c8 anche vero che la performance di Coralia Veloz arricchisce la messa in scena interpretando una vecchia donna irritabili, il cui pollo ha subito alcuni maltrattamenti da parte dei bambini. La tesi del corto intreccia due elementi molto interessanti. Da un lato, utilizza la conoscenza popolare quando indica coloro che giudicano i loro simili dalla loro estrazione sociale e, dall’altro, lancia un sottile appello ad allertare la societ\u00e0 sui modi di istruzione e di assistenza all’infanzia. Lo stesso persegue la madre che lascia la sua persona ufficiosa alle cure di persone senza scrupoli o stupide, cos\u00ec come quei genitori assenti che integrano il loro ruolo educativo e la loro presenza indispensabile con manufatti tecnologico-domestici per intrattenere i loro figli. Ma inoltre, le foglie corte aprono speculazioni sugli intricati percorsi che possono passare attraverso il risveglio sessuale degli adolescenti quando mancano dell’orientamento degli adulti.
\nIn un certo senso il tema dell'”educazione” \u00e8 ripreso in Flying Pigeon (Daniel Santoyo Hern\u00e1ndez, 2018). Un uomo di mezza et\u00e0 accompagna e istruisce un giovane decolo, su come eseguire aggressioni a rapine a mano armata. Nonostante si immergendo nei territori della marginalit\u00e0, il corto non ha lo scopo di insegnare alcun tipo di lezione antropologica, n\u00e9 di essere rappresentativo di una tesi sociologica. In una scena che sembra rendere omaggio al regista Quentin Tarantino \u2013 cos\u00ec dato a riprodurre nei suoi film la loquacia spontanea della vita quotidiana \u2013 il vejete esperto inizia una dissertazione sulle qualit\u00e0 umanistiche del calciatore Cristiano Ronaldo, che lo mette al di sopra dei suoi omologhi. Quella scena, insieme alla sequenza finale, sono molto gradite; tuttavia, c’\u00e8 molto dell’ultimo scatto, cio\u00e8 l’ultima immagine, che sar\u00e0 stata lasciata bella, ma sacrifica invece la chiusura ellittica, suggestiva e perfetta, che aveva gi\u00e0 il film.
\nForse EICTV ha posto una sfida ai suoi studenti: contare usando un piano di sequenza. Questa tecnica di riprese coinvolge una presa della fotocamera che transita attraverso diverse scale piane, senza tagliare. Ci\u00f2 implica un massimo livello di coordinamento della messa in scena e della gestione della fotocamera, nonch\u00e9 una distribuzione attore molto ben calcolata, poich\u00e9 qualsiasi guasto significa iniziare a filmare la sequenza dall’inizio, poich\u00e9 questo pu\u00f2 rappresentare da pochi minuti a periodi significativamente lunghi (l’intero film). A parte i numerosi dettagli coinvolti in un piano di sequenza, cos\u00ec come i film e i registi che ne hanno fatto uso, diciamo che \u00e8 una super sfida iniziare a raccontare qualcosa, in pochi minuti, usando una tale risorsa.
\nLa mostra doveva presentare due interessanti esempi: Final (2018) del terribile enfant Yimit Ram\u00edrez e Los amantes (2018) di Al\u00e1n Gonz\u00e1lez, dove le potenzialit\u00e0 espressive del piano di sequenza si distinguono creativamente. L’ultimo cortometraggio illustra un istante della vita di una coppia dedicato a una circostanza limitante; non sappiamo cosa sia successo prima o cosa succede dopo quegli otto minuti sullo schermo. Sia nel caso di The Lovers che the End, le situazioni drammatiche in cui il piano di sequenza decolla, sono presentate in mezza res, cio\u00e8 quando hanno gi\u00e0 lasciato tutti i preamboli e si avvicinano al culmine. Ognuno, nel proprio stile e in linea con le particolarit\u00e0 degli spazi scelti e la natura della storia, pone il protagonista in una situazione nervosa, esplosiva, quindi l’intrigo prevale sulla sua risoluzione formale. Entrambe le opere hanno gareggiato nella sezione narrativa e hanno vinto, rispettivamente, tra gli altri lauro, il premio come migliore attrice (Lola Amores) e miglior attore (Milton Garc\u00eda).
\nQuello che \u00e8 stato presentato al Talents for the Future Workshop \u00e8 un buon riassunto curatoriale del Campione ICAIC, che nella sua pi\u00f9 ampia selezione ha avuto a volte scivolamenti imperdonabili e cadute decalabranti. Ad esempio, includeva un cortometraggio fittizio intitolato Pig (con sceneggiatura e regia di Yunior Garc\u00eda Aguilera), che, pur vantando una messa in scena accettabile, \u00e8 eticamente inaccettabile a causa della mancanza di rispetto che pone quando manipola una citazione biblica per scopi osceni, per la sua dichiarata misoginia e per aver lasciato un messaggio di tacito consenso alle pratiche sessuali che minano il normale sviluppo dell’infanzia.
\nD’altra parte, vale la pena menzionare l’eccellenza del lungometraggio documentario Brouwer. L’origine dell’Ombra (Katherine T. Gavil\u00e1n, Lisandra L\u00f3pez Fab\u00e9, 2019), che per sua estensione non ha potuto essere inclusa tra le opere esposte in questo workshop.
\nDal mio punto di vista, il cinema realizzato dai giovani cubani tende a rompere le classiche modanature della narrazione aristotelica, troppo screditata gi\u00e0 dalla postmodernit\u00e0. Registi come Chantal Akerman, Jean-Luc Godard, Michelangelo Antonioni, Andrei Tarkovski, Shohei Imamura, Nuri Ceylan, Brillante Mendoza, Abbas Kiarostami, Lucrecia Martel e persino il cubano Tom\u00e1s Piard, tra molti altri, hanno dimostrato che il cinema pu\u00f2 essere realizzato al di fuori della ripetuta e inquilosa gloss hollywoodiana. La drammaturgia classica ridotta per inserirsi nell’immaginario dominatore del patriarcato pu\u00f2 essere abilmente reinterpretata o superata da nuove strategie narrative che sono vera espressione di nuovi tempi, e che servono a scoraggiare guerre, fobie, intolleranze e ignoranza figlia della pigrizia. Ricordo Abbas Kiarostami (grande regista iraniano) che mi disse che la prima volta che lesse un libro sul cinema, non lo capiva e lo mise da parte. Che i nostri grandi anni formati o meno nelle scuole per i futuri registi abbiano abbastanza arroganza giovanile per fare lo stesso, perch\u00e9 \u00e8 meglio essere creativi ignorando l’accademia, piuttosto che essere sciatti nel cercare di imitarla. \u03a9<\/p>\n","protected":false},"excerpt":{"rendered":"