Essere giovani, dal mio punto di vista e dalla mia esperienza, è una condizione mentale. Mi dispiace usare un luogo comune e allo stesso tempo di tale menzione gratuita. Tuttavia, la verità è che “il giovane deve essere chiunque voglia essere”, come dice il bolero. Questo ha poca influenza sull’età biologica, e sebbene sia un argomento che ha un sacco di tessuto da tagliare, penso che una delle premesse fondamentali per riconoscere che siamo di fronte a un giovane è vedere il loro bisogno di imparare. La sete di conoscenza è un sintomo di una giovinezza innegabile. Conoscere questo e l’altro, perché “può servirmi in futuro”, dà un’idea chiara di quanto si senta giovane una persona. Un’altra caratteristica è la capacità di adattamento, così come la necessità di sperimentare cambiamenti, di rivoluzionare, di fare qualcosa di diverso, nuovo, quello che potrebbe anche essere “lasciare la zona di comfort”. Ci sono molti anziani che non vanno oltre i venticinque anni, e persone della cosiddetta “vecchiaia”, che girano per il mondo con un quaderno di progetto sotto il braccio, accusando così una vitalità adolescenziale. Visto in questo modo, l’ICAIC Young Show – che si tiene ogni anno – può essere una vetrina in grado di trasparente la vera età artistica degli artisti che, secondo la loro carta d’identità, hanno meno di trentacinque anni.
Organizzato dalla Fondazione del Nuovo Cinema Latinoamericano e dall’Associazione Cattolica Cubana per la Comunicazione (SIGNIS Cuba), con la collaborazione dell’ICAIC Youth Show, il 1°. Aprile ha tenuto il XVI Talent Workshop for the Future. La sala di proiezione walfredo piñera ha ospitato un gruppo di video artisti alle prime armi, che hanno condiviso esperienze con registi veterani interessati alla produzione cinematografica giovane.
Otto opere completate questa volta il libro paga selezionato per il workshop: cinque cortometraggi di finzione e tre documentari. Mantengo il sistema di categorie applicato nel campione ICAIC, anche se se fosse più preciso, oserei dire che sono stati presentati solo due documentari, perché il terzo corrisponde a ciò che è buono tempo fa si chiama creazione video (o video arte); questo è un tipo di opera audiovisiva che sopravvaluta l’importanza degli elementi formali, li rende importanti, in modo che l’importante sia, soprattutto, il come e non tanto cosa. Il primo background di questa pratica nello spazio internazionale potrebbe essere trovato associato all’aspetto sperimentale della produzione cinematografica degli anni ’20, così come al lavoro di artisti plastici. A Cuba si possono considerare pezzi come Now di Santiago Alvarez, anche precursore del cosiddetto videoclip; così come Coffe arábiga, tra gli altri simili di Nicolás Guillén Landrián e Cosmorama di Enrique Pineda Barnet.
Un po ‘ più vicini nel tempo, sono riconosciuti come video arte Rinoceronti in gabbia scuri (molto alla moda) (1990), di Juan Carlos Cremata; e Love and Pain (1990), di Enrique Alvarez. Proprio dagli anni ’90 ad oggi, il numero di opere che possono essere classificate sotto questo punto si è ampliato, senza compromettere altre classificazioni che possono essere insegnate loro. Artisti plastici come Néstor Siré e Juan Carlos Alom hanno presentato opere che supportano un perfetto dialogo con diverse modalità di produzione audiovisiva, quindi hanno trovato posto in diverse edizioni della Mostra ICAIC.
Nel caso del Workshop, intendiamo Home (Alejandro Alonso, produzione della Scuola Internazionale di Cinema e Televisione, EICTV), con una fotografia molto contrastata e manipolata come se fosse un filmato. Dalla mia opinione di spettatore, Home esprime il collasso, la foenza, l’obsolescenza associata a un concetto di nazione; concetto che si basa su qualcosa di molto concreto come la città, il paese, una memoria, una mappa, coordinate o il nome “Cuba”, che, come città, città o villaggio, esiste in almeno otto stati del Nord America. Come ogni buon video nella stessa misura in cui hermetize il suo discorso, utilizza varie risorse espressive (la colonna sonora, tra queste), per fornire il destinatario di un repertorio poetico che alimenta la sua esperienza e guida la sua interpretazione del fatto artistico.
Per quanto riguarda i documentari, vorrei iniziare con The Old Heralds (Luis Alejandro Yero, produzione EICTV), dove viene offerto un piccolo panorama della vita di un matrimonio non centenario composto da Tatá ed Esperanza. Mentre il vecchio si prende cura di un forno a carbone per lunghi giorni, ed Esperanza si occupa dei lavori domestici, la televisione – l’unico oggetto sontuoso in quel bohio insensibile – trasmette il processo di assemblaggio che ha portato la presidenza al successore di Raúl Castro. La più grande conquista estetica di questo corto sta nella perfetta polarità che raggiunge tra l’evento politico-mediatico che rappresenta un nuovo fatto storico, e la realtà intima di due anziani immersi nella rovina materiale, in ciò che costituisce l’inizio della fine di un ciclo di vita in coppia. Forse l’antecedente di questo video è il documentario Verde Olivo (2017), con ottima regia, fotografia e montaggio di Celina Escher, e prodotto anche da EICTV. In questo caso, il matrimonio di lunga durata è guidato da Teresa, un’ex combattente comunista, molto ben informata sulla realtà nazionale attraverso i media: il quotidiano Granma, la radio e la televisione. Seguace incondizionata di Fidel e Raul, celebra la visita di Obama, un evento che segue attraverso lo schermo; correggendo il suo entusiasmo per quel momento storico, ricordando la sanguinosa discordia che ha caratterizzato le relazioni dell’America con la rivoluzione cubana. Allo stesso tempo – e in questo si stringono la mano a entrambi – le condizioni di vita di questo eterno combattente sollevano una sottile contraddizione tra l’oropel propagandistico dell’ordine pubblico, ufficiale, e la realtà quotidiana dell’umile maggioranza.
Per quanto riguarda il documentario The Year That There Was No Year (Fernando Almeida, 2017, produzione indipendente), è un esempio di ciò che l’inventiva più lozana è in grado di creare. Senza studi accademici sul cinema, in un colpo solo di pura intuizione e reinterpretazione dell’intero acquis visivo che accompagna lo sviluppo di qualsiasi soggetto nato negli ultimi venti o venticinque anni, Almeida riesce a costruire un discorso sincero ed esteticamente lodevole, su un tema chiuso alla discussione ufficiale nel presente, ma molto dibattuto tra le persone colpite: il servizio militare , ponendo l’accento sull’offerta obbligatoria di coloro che entrano nell’università e ritardano le loro aspettative di studio per un anno molto lungo. Almeida non sceglie i modi tradizionali per raccontare una storia o documentare un fatto; salta le convenzioni del genere, e inoltre non segue le regole di una presunta drammaturgia ortodossa, che viene venduta come inappellabile. Non è che sia il pioniere di qualsiasi estetica anticipata. Gestisce semplicemente il suo strumento di riprese (il suo cellulare) con libero arbitrio, adattandosi alle circostanze del suo processo cinematografico: immediatezza, spontaneità, sorpresa, capacità di discriminare i dati, gestione intelligente e poetica delle risorse espressive del linguaggio audiovisivo, etica nell’approccio dei suoi argomenti e, non da ultimo, una piattaforma concettuale, abbastanza solida da sostenere un punto di vista senza fessure o ambivalenze.
Per quanto riguarda i cortometraggi di finzione, forse il più indeabile si trova nel titolo Alberto (Raúl Prado Rodríguez, 2018) e Generación (Meilin Quiles Durañona, 2018, produzione FAMCA). Il primo racconta la storia di ciò che Alberto scopre quando tornò a Cuba dopo molti anni di assenza. Il problema è che il conflitto è troppo affrettato ed è conclusivo nel primo terzo dei lavori. Tutto il resto diventa ridondanza, esponendo l’impericia in termini di regia degli attori, dialoghi e drammaturgia in senso generale. La seconda (Generazione), è una fantasia pseudo-scientifica che potrebbe aver viaggiato meglio lungo i sentieri dell’assurdità e della commedia, senza avventurarsi in un dramma senza tempo per sviluppare una trama meno facile e banale. A suo favore vale la pena sottolineare la direzione dell’arte, che ha fornito un alto grado di coerenza e significato all’immagine; sforzo immeritato alla banalità della storia.
Implacabili modelli di performance infantile che ci perseguitano da tempo immemorabile – non tutto dovrebbe essere incolpato de La Colmenita – fondono i registi cubani quando introducono i bambini come protagonisti o secondari ai loro film. La cinematografia internazionale può ora essere rivista per spettacoli paradigmatici per bambini: Il colore del paradiso (Majid Majidi, 1999), La ricerca (Michel Hazanavicius, 2018), Cafarnao (Nadine Labaki, 2018). Ma, come le cose stanno facendo con la recitazione infantile nel cinema di quest’isola, Bad Things non è un cattivo esempio. È anche vero che la performance di Coralia Veloz arricchisce la messa in scena interpretando una vecchia donna irritabili, il cui pollo ha subito alcuni maltrattamenti da parte dei bambini. La tesi del corto intreccia due elementi molto interessanti. Da un lato, utilizza la conoscenza popolare quando indica coloro che giudicano i loro simili dalla loro estrazione sociale e, dall’altro, lancia un sottile appello ad allertare la società sui modi di istruzione e di assistenza all’infanzia. Lo stesso persegue la madre che lascia la sua persona ufficiosa alle cure di persone senza scrupoli o stupide, così come quei genitori assenti che integrano il loro ruolo educativo e la loro presenza indispensabile con manufatti tecnologico-domestici per intrattenere i loro figli. Ma inoltre, le foglie corte aprono speculazioni sugli intricati percorsi che possono passare attraverso il risveglio sessuale degli adolescenti quando mancano dell’orientamento degli adulti.
In un certo senso il tema dell'”educazione” è ripreso in Flying Pigeon (Daniel Santoyo Hernández, 2018). Un uomo di mezza età accompagna e istruisce un giovane decolo, su come eseguire aggressioni a rapine a mano armata. Nonostante si immergendo nei territori della marginalità, il corto non ha lo scopo di insegnare alcun tipo di lezione antropologica, né di essere rappresentativo di una tesi sociologica. In una scena che sembra rendere omaggio al regista Quentin Tarantino – così dato a riprodurre nei suoi film la loquacia spontanea della vita quotidiana – il vejete esperto inizia una dissertazione sulle qualità umanistiche del calciatore Cristiano Ronaldo, che lo mette al di sopra dei suoi omologhi. Quella scena, insieme alla sequenza finale, sono molto gradite; tuttavia, c’è molto dell’ultimo scatto, cioè l’ultima immagine, che sarà stata lasciata bella, ma sacrifica invece la chiusura ellittica, suggestiva e perfetta, che aveva già il film.
Forse EICTV ha posto una sfida ai suoi studenti: contare usando un piano di sequenza. Questa tecnica di riprese coinvolge una presa della fotocamera che transita attraverso diverse scale piane, senza tagliare. Ciò implica un massimo livello di coordinamento della messa in scena e della gestione della fotocamera, nonché una distribuzione attore molto ben calcolata, poiché qualsiasi guasto significa iniziare a filmare la sequenza dall’inizio, poiché questo può rappresentare da pochi minuti a periodi significativamente lunghi (l’intero film). A parte i numerosi dettagli coinvolti in un piano di sequenza, così come i film e i registi che ne hanno fatto uso, diciamo che è una super sfida iniziare a raccontare qualcosa, in pochi minuti, usando una tale risorsa.
La mostra doveva presentare due interessanti esempi: Final (2018) del terribile enfant Yimit Ramírez e Los amantes (2018) di Alán González, dove le potenzialità espressive del piano di sequenza si distinguono creativamente. L’ultimo cortometraggio illustra un istante della vita di una coppia dedicato a una circostanza limitante; non sappiamo cosa sia successo prima o cosa succede dopo quegli otto minuti sullo schermo. Sia nel caso di The Lovers che the End, le situazioni drammatiche in cui il piano di sequenza decolla, sono presentate in mezza res, cioè quando hanno già lasciato tutti i preamboli e si avvicinano al culmine. Ognuno, nel proprio stile e in linea con le particolarità degli spazi scelti e la natura della storia, pone il protagonista in una situazione nervosa, esplosiva, quindi l’intrigo prevale sulla sua risoluzione formale. Entrambe le opere hanno gareggiato nella sezione narrativa e hanno vinto, rispettivamente, tra gli altri lauro, il premio come migliore attrice (Lola Amores) e miglior attore (Milton García).
Quello che è stato presentato al Talents for the Future Workshop è un buon riassunto curatoriale del Campione ICAIC, che nella sua più ampia selezione ha avuto a volte scivolamenti imperdonabili e cadute decalabranti. Ad esempio, includeva un cortometraggio fittizio intitolato Pig (con sceneggiatura e regia di Yunior García Aguilera), che, pur vantando una messa in scena accettabile, è eticamente inaccettabile a causa della mancanza di rispetto che pone quando manipola una citazione biblica per scopi osceni, per la sua dichiarata misoginia e per aver lasciato un messaggio di tacito consenso alle pratiche sessuali che minano il normale sviluppo dell’infanzia.
D’altra parte, vale la pena menzionare l’eccellenza del lungometraggio documentario Brouwer. L’origine dell’Ombra (Katherine T. Gavilán, Lisandra López Fabé, 2019), che per sua estensione non ha potuto essere inclusa tra le opere esposte in questo workshop.
Dal mio punto di vista, il cinema realizzato dai giovani cubani tende a rompere le classiche modanature della narrazione aristotelica, troppo screditata già dalla postmodernità. Registi come Chantal Akerman, Jean-Luc Godard, Michelangelo Antonioni, Andrei Tarkovski, Shohei Imamura, Nuri Ceylan, Brillante Mendoza, Abbas Kiarostami, Lucrecia Martel e persino il cubano Tomás Piard, tra molti altri, hanno dimostrato che il cinema può essere realizzato al di fuori della ripetuta e inquilosa gloss hollywoodiana. La drammaturgia classica ridotta per inserirsi nell’immaginario dominatore del patriarcato può essere abilmente reinterpretata o superata da nuove strategie narrative che sono vera espressione di nuovi tempi, e che servono a scoraggiare guerre, fobie, intolleranze e ignoranza figlia della pigrizia. Ricordo Abbas Kiarostami (grande regista iraniano) che mi disse che la prima volta che lesse un libro sul cinema, non lo capiva e lo mise da parte. Che i nostri grandi anni formati o meno nelle scuole per i futuri registi abbiano abbastanza arroganza giovanile per fare lo stesso, perché è meglio essere creativi ignorando l’accademia, piuttosto che essere sciatti nel cercare di imitarla. Ω
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