L’importante nell’arte è la costanza

Oltre al “Franco” che porta per nome e al “Buono” del secondo cognome, si potrebbe usare l’aggettivo “Virtuoso” per completarne la definizione. Erede di un magnifico canale di testi e accordi, da bambino appoggiò il suo equilibrio verso la musica, quel linguaggio senza i confini scomodi delle lingue. Vincitore di due cubadisco awards, l’ultimo dei quali per un monumentale salvataggio del lavoro del genio cubano Ernesto Lecuona – che da anni ricerca e condivide – questo giovane si unisce alla tranquilla tenacia per lavorare al successo e alla bonhomía per non arrabbiarsi.

L’ho visto negli squisiti pomeriggi da concerto di Casa Amauta, a Pinar del Río, togliere la tua anima dal pianoforte con una pulizia e concentrazione di antologia e poi, dopo aver ringraziato con stile cavalleresco; scivolare di pari passo con il suo amato in modo che l’eco della lode non spezzi il corso della pianura. In diverse città dell’isola come Sancti Spíritus, Matanzas e Holguín, e in altre negli Stati Uniti, in Messico o in Spagna, la loro arte è diventata sfortunata la domanda e l’entusiasmo del pubblico. Questionario attraverso, ecco le melodie vitali di Franco Rivero Bueno (L’Avana, 1982), che sa anche organizzare le idee con un’esposizione di sinfonia.

La musica viene dalla famiglia: nonna che suonava il pianoforte, grande padre oboista… A parte un impulso, questa genealogia non ha rappresentato anche un impegno un po’ severo?

“Il bisogno di arte è emerso come una cosa naturale in me. Forse la componente genetica gioca un ruolo in questa storia. All’inizio l’influenza di mio nonno materno, Salvador Bueno, che come è noto era un notevole critico e saggista. Ascoltarlo è stato un vero piacere. Non c’era nessun soggetto letterario che non fosse ben documentato. Tuttavia, non era un nonno molto conversazionale. Era piuttosto tranquillo. Quello che ricordo molto bene è la digitazione di quella vecchia macchina da scrivere che non si è fermata tutta la mattina e parte del pomeriggio. L’arte è stata respirata in casa attraverso di lui e le amicizie che lo frequentavano.

“Poi è arrivato il contatto con la musica attraverso la rete paterna. Mia nonna Ofelia era una pianista, anche se non l’ho mai sentita perché era molto timida. Mio zio Juan Carlos, percussionista, per il quale volevo studiare batteria, ma un problema uditivo mi ha impedito. E, soprattutto, il contatto e la scoperta del meraviglioso mondo musicale di mio padre, Jorge Rivero Tirado, che è qui punto a parte.”

La tua formazione artistica si svolge tra Cuba e il Messico, quale potresti distinguere come il contributo principale di ogni accademia per lucidare la vocazione che già hai avuto?

“Ho studiato alcune arti plastiche da bambina, poiché mia madre mi ha portato da loro e ai laboratori di iniziazione musicale tenuti il sabato mattina al Conservatorio Caturla di Marianao. Ma quando ho compiuto l’età richiesta, ho iscritto questa scuola come studente di oboe. L’incantesimo del pianoforte, potremmo dire, inizia qui, guardando i miei compagni di squadra preparare i loro programmi.

“Mentre mi è stato assegnato un insegnante che, come parte del curriculum, mi ha insegnato la materia pianistico supplementare, non mi è bastato. Poi ho iniziato da solo a comporre e poi riprodurre le cose giocate dai miei compagni di squadra.

“Devo chiarire che le mie avances nello strumento sono state rese possibili da mia zia Aida dandomi il pianoforte che era stato di mia nonna Ofelia. Era ufficialmente un oboista, ma ciò a cui si dedicò tutto il tempo era il pianoforte. Fu nel 1999, quando andai in Messico, dove mio padre aveva vissuto per anni, per fare un corso di oboe con lui, che abbiamo avuto quella conversazione determinante nella mia vita.

“Mi si sedette al tavolo e mi disse che per lui non c’era dubbio: lascia l’oboe e dedica tutto lo sforzo al pianoforte. Avevo seguito alcune lezioni a Cuba con l’insegnante Amado Touza, ma la mia formazione fino a quel momento era essenzialmente autodidatta. Avevo bisogno di una nuova spinta, di un nuovo obiettivo per dimostrarmi che potevo farlo e reindirizzare la mia carriera.

“La sua proposta è stata magnifica. Disse: ‘Faremo un concerto insieme dove ti unirai a me con il repertorio più importante per oboe e pianoforte. L’altra cosa che mi ha detto è stata: ‘Impara il gioco più difficile che vuoi giocare di più’. Le parole di mio padre hanno avuto l’effetto di una scintilla accanto a un mucchio di polvere da sparo e ho iniziato a studiare per dieci ore al giorno. Quello che volevo suonare di più all’epoca era il secondo Concerto di Rachmaninov.

“Questa cosa che dico è successa nell’ottobre ’99. A dicembre stavamo già facendo il primo di molti concerti che abbiamo fatto insieme, che sarebbe culminato nella registrazione di un disco nel 2005 che includeva parte di tutto il materiale che stavamo suonando in quegli anni. L’album si chiamava Sin Límites e vinse un premio a Cubadisco l’anno seguente.

“D’altra parte sono entrato al Conservatorio delle Rose di Morelia, come studente di pianoforte. Il primo esame è stato presentato proprio con il secondo Concerto di Rachmaninov. Ho conseguito la laurea triennale con la più alta qualifica nel 2008 sotto la tutela del maestro Eduardo Montes”.

Potresti dirmi com’era la tua scoperta (e il bagliore) con il lavoro di Ernesto Lecuona?

“L’anno del suo centenario si è verificato nel 1995. Una serie di tributi e concorsi si erano svolti. A scuola hanno iniziato a suonare le loro opere teatrali e mi sono subito innamorato di loro. Il risultato è stato che ho finito per toccarli tutti. Era così semplice. A orecchio ho giocato i primi, perché non avevo i punteggi.

“Non mi ci è mai stato molto per convincere mio nonno a parlare con Maria Teresa Linares, allora direttrice del Museo della Musica, per fornirmi le partiture. Anche mio nonno per me alla Biblioteca Nazionale. Lì ho potuto guardare i lavori solo per un po’. Nel mezzo del periodo speciale non c’era inchiostro o carta per fare le fotocopie. Ho mantenuto nel miglior modo possibile quelle note nella mia memoria e ho iniziato a toccarle quando sono arrivato a casa. Così è iniziata quell’esperienza con la musica di Lecuona.

Pensi che a Cuba sia conosciuto e studiato abbastanza a misura d’uomo?

“La verità è che c’erano sempre persone che hanno fatto sforzi preziosi per mantenere vivo il suo lavoro e la sua memoria come Esther Borja, che lo ha incluso nei suoi spettacoli televisivi e concerti con il pianista Nelson Camacho; Huberal Herrera, che fu il primo a offrire una serie di tre recital alla Biblioteca Nazionale che raccolse fino a quel momento la maggior parte della sua produzione pianistico; Orlando Martínez, che scrisse la sua biografia e, più tardi, nel suo centenario, quando preparò un libro sulla sua carriera artistica del musicologo Jesús Gómez Cairo, la registrazione di tre cd che la SGAE fece in Spagna a Huberal Herrera e una serie di concerti e concorsi che sarebbero culminati con quel bellissimo gala con protagonista l’insegnante Frank Fernández (fu allora che sentii un ottogenario Maria de los Angeles Santana cantare la famosa habanera “You’re going” sensazione indimenticabile). Fu quella stessa notte che sentii un altro importante difensore del lavoro del maestro, il pianista americano Thomas Tirino, che registrò cinque cd all’epoca con la musica per pianoforte di Lecuona.

“Un valore come Lecuona non viene dato ogni giorno in tutti i paesi e siamo stati fortunati che sia stato dato nel nostro. Ecco perché non dobbiamo cedere agli sforzi per continuare a diffondere il suo lavoro.

Si potrebbe dire che il Set di CD di “Lecuona todo piano”, e il conseguente premio Cubadisco, nel 2013, segna un prima e un dopo nella tua performance artistica? Sette anni dopo quel premio, come lo evoca?

“Stavo preparando uno dei cicli dei suoi spettacoli di pianoforte e li portavo da mio padre ad ascoltarmi quando una mattina mi disse: è quello che devi registrare. Ho fatto la proposta all’Istituto di Musica, che all’epoca era diretto da Abel Acosta, che ha accolto il progetto con grande entusiasmo e si è scoperto che nel giro di pochi mesi stavo registrando l’integrale pianistico di Lecuona sulla terra che lo ha visto nascere. A quel tempo registrai centoventi opere, una figura inedita nella discografia dedicata alla sua musica.

“Il Cubadisco Special Prize è stato qualcosa che mi ha riempito di piacere e lo considero a mia volta un atto di riconoscimento di Cuba al lavoro di uno dei suoi figli più preziosi. Più tardi ho avuto l’idea di ampliare lo spettro e recuperare qualcosa che non era mai stato fatto prima: l’integrale delle sue opere per voce e pianoforte.

“Era un progetto che all’epoca presentavo all’Istituto di Musica, con Orlando Vistel come presidente, e gli è stato dato anche tutto il sostegno. In entrambi i progetti contavo sulla produzione dell’insegnante Jesús Gómez Cairo. In questo caso il volume delle opere era considerevolmente più alto e includeva cantanti. È stato un processo lungo e complesso in cui abbiamo dovuto scegliere le voci giuste e scartare gli altri, oltre a imporre un forte ritmo di prove per assemblare e lucidare quello che dopo quattro anni ha finito per essere il set di duecentocinquantasette opere eseguite da dodici cantanti sotto la mia guida e accompagnamento al pianoforte.

Quali aneddoti tieni lontano dallo “shock” con un pubblico così vario come quelli in Messico, Cuba, Stati Uniti? Si potrebbe dire che il linguaggio della musica rompe tutti i confini?

“Il pubblico non è sempre lo stesso, né si comporta sempre allo stesso modo. Alcuni sono più espressivi di altri. Ma ciò che tutti hanno in comune è che sono suscettibili alla qualità e alla sensibilità di ciò che viene loro presentato. Un interprete può essere misurato dal livello di fusione che raggiunge con il pubblico al momento dell’interpretazione.

“C’è una sorta di palpabile saggezza collettiva fin dai primi secondi del concerto, che si può vedere nel silenzio in cui l’auditorium è unificato. Un pubblico in attesa di essere sorpreso da varie emozioni insospettate.

“Ma in questo senso non ci sono differenze. Solo alcuni sono più introversi e altri sono più estroversi. Mi piacciono gli altri secondi. Ma la fine non è mai stata così, perché alla fine la musica lo dà a se stessi, non importa quanto se batti duro o morbido.

Com’è stato comporre musica per il profumo per i 500 anni dell’Avana? Pensi che gli odori suonino naturalmente?

“Penso che la mente e l’immaginazione siano capaci di quello che vogliamo. E che la musica può essere associata a un odore come un colore e viceversa, quello che succede è che tutto questo accade dalla soggettività. Perché ciò che per me può essere gioioso per te può sembrare triste. Senti, ho iniziato a scrivere un gioco per quel profumo e ho finito per fare sette. Il che indica anche che una persona può vedere la stessa cosa da diverse soggettività.

Raccontami due esperienze speciali: il legame con Carilda Oliver Labra e il lavoro con la poesia di José Martí…

“Il legame con una grande poetessa come Carilda Oliver Labra in primo luogo è qualcosa che mi riempie di orgoglio. Perché immaginate com’è essere in grado di baciare la mano che ha scritto “La Terra”. Che “… Non voglio tenere con me qualsiasi patria, voglio tutto sulla mia tomba. È travolgente.

“Ho sempre ammirato Carilda. Quello che non sapevo era il dono che la vita aveva in serbo per me quando era il mio turno di condividere con lei i discorsi “Sud della mia gola”, che sono stati organizzati a casa loro nella fase finale della loro vita. Sì, sono così fortunata ad aver condiviso con Carilda che era travolgente come la sua poesia.

“Devi vedere come quella donna recitava le sue poesie. Come in trance. Un vero artista. Una volta in Messico sono stato onorato di offrire un recital poetico-musicale con lei. Ho anche messo musica a dieci delle sue poesie e in diversi concerti le ha sentite nella voce dell’eccellente cantante Cary Rivero, accompagnato da me al pianoforte. Le piacevano davvero. Ma soprattutto, siamo stati in grado di scambiare idee su come aveva creato certe poesie.

“Mi piacciono molto quelli del libro Le ossa illuminate, sono versi della patria, dei loro eroi, dei martiri che lei stessa ha incontrato, erano suoi amici e lei li ha aiutati, come Reynol García e Julian Alemán. C’è il ‘Canto a Fidel’, il ‘Canto a Matanzas’… Ad ogni modo, una poetessa tremenda, di cui la sfaccettata erotica della sua produzione è diventata molto famosa, con quell’amore disordinato…’, ma non dimenticare che è anche un’impressionante scrittrice di soggetti eroici.

“Con Martí è diverso. Martí entra nella mia vita con il primo libro che mi dà mio nonno Salvador, una bellissima edizione facsimilare de L’età dell’oro, uno dei miei libri preferiti. Poi la vita passò e arrivò il momento in cui vivevo in Messico e lì cominciai a leggere molte cose su Martí. È indimenticabile lo scambio epistolare che ho avuto con mio nonno seguendo quelle letture, che a sua volta mi ha inviato volumi dalla sua biblioteca in modo da poter continuare a soddisfare la mia curiosità per l’opera del Maestro.

“Da allora l’idea di musicalizzare quella che diventa una sorta di autobiografia di Martí, o meglio passaggi della sua vita, cominciò a scoppiare nella mia testa. Intendo il libro Simple Verses. Ma quell’idea non si adattava fino a anni dopo. E come sono sempre stato un compositore che si fa trasportare dall’ispirazione del momento, in questo caso l’ispirazione è nata nel 2008, quando ho composto il primo ciclo di dieci canzoni che ho dedicato a mio nonno e un tempo dopo ho finito per musicalizzando altre trenta, quasi tutto il libro. Sono stati per lo più eseguiti dall’eccellente tenore cubano Bernardo Lichilin, in diversi concerti, uno dei quali è stato persino girato per la televisione cubana dalla sala del Museo Nazionale di Belle Arti. Questo ha motivato il giornalista Julio Acanda a dedicare una delle sue famose cronache domenicali sul processo creativo intorno al lavoro di Martí.

Hai detto che per il tuo partner, deve essere difficile vivere accanto a qualcuno che è totalmente devoto all’arte. Come si lega in modo che lo stress dello studio e della creazione non affoghi gli altri spazi e bisogni della coppia?

“I creatori di solito si nascondono in quella frase che l’arte ci richiede molto, come se l’arte fosse qualcuno che potesse parlare e dire a uno cosa fare. La verità è che l’arte non è una persona, ma le donne degli artisti finiscono per affermare di condividere il proprio tempo con loro come se l’arte fosse tra di loro.

“Credo che questo accada nel novantacinque per cento dei casi ed è normale, perché l’arte, perché diventi una passione all’interno di quella a cui la trasmetti, deve prima essere una passione dentro di te. E quando ti appassiona a qualcosa, passi del tempo con esso. Ed essere sotto gli effetti di quella passione un’ora può sembrare a me per un minuto… Le cose diventano relative.

“Nel mio caso particolare devo dire che sono stata molto fortunata ad avere al mio fianco qualcuno intelligente e comprensivo come Susana. A chi piace quello che faccio, che è la mia migliore recensione, amico e altre cose. Sono davvero fortunato ad avere tutto questo in un unico essere.

Cos’altro, oltre a studiare e suonare musica ti piace fare per hobby? Quanto deve prendersi cura di se stesso per tenere le mani, il cervello e l’emozione “in piena disposizione combattivo” come direbbero i militari?

“Quello che faccio di più per diffondere è leggere e ascoltare musica. Anche se amo la spiaggia e il cinema, sono attività che il tempo non mi permette di esibirmi con la stessa frequenza.

“Per quanto riguarda la seconda parte della domanda: forse mi porta a un’altra: Come possiamo trovare l’equilibrio tra la mortalità, per così dire, e l’arte, un mondo magico? Gli artisti devono essere consapevoli del fatto che siamo esseri umani con altri bisogni, anche se non smettiamo mai di essere artisti in tutto ciò che facciamo. A volte abbiamo giorni più difficili di altri. Vi confesso che ho attraversato buche nel corso della vita in cui il nocciolo della questione è stato l’equilibrio tra professionale e personale.

“Per l’artista la cosa più importante è rimanere ad un livello di realizzazione equis e questo richiede dedizione. Ma se il tuo livello di domanda è superiore a quello che sei in grado di dare, hai già il risultato della frustrazione. Quindi, come gestisci la tua domanda e le tue aspettative? Questo senza ssconto sul fatto che il superamento è dato nella misura in cui il tuo livello di domanda è sempre al di sopra di quello che puoi dare … È complesso.

Un giorno il Maestro Luis Carbonell, dal quale ho avuto la fortuna di ricevere il suo consiglio, mi ha detto: “L’importante nell’arte è la costanza”. Sapevo quale lezione stavo cercando di seguire.